Рихард Штраус – один из выдающихся немецких композиторов и дирижеров конца XIX – первой половины ХХ века, автор многих новаторских произведений. Он создавал сочинения в различных жанрах, среди которых — оперы, балеты, симфонические поэмы, музыка к драматическим спектаклям, хоровые произведения, романсы. В основе его произведений часто лежали известные сочинения Ф. Ницше, Ж.-Б. Мольера, Сервантеса и многих других литераторов и философов. Современники отмечали необычайное новаторство Р. Штрауса в области драматургии, гармонии, оркестровки. Друг композитора, известный французский писатель Р. Роллан писал о нем: «Воля у него героическая, покоряющая, страстная и могучая до величия. Вот чем Рихард Штраус велик, вот в чем он уникум в настоящее время. В нем чувствуется сила, властвующая над людьми. Эти-то героические стороны и делают его преемником какой-то части мыслей Бетховена и Вагнера. Эти-то стороны и делают его одним из поэтов, — быть может, самым крупным современной Германии». Концерт для гобоя был написан Р. Штраусом в 1945 году, когда композитору был уже 81 год. Создавая Концерт, он, вспоминая войну, отмечал: «Я не выношу трагической атмосферы современности. Я имею право писать ту музыку, какая мне нравится, не правда ли?». Концерт для гобоя и малого оркестра был написан в результате визита к композитору американских военных после войны. Поводом послужила просьба американского солдата Дж. де Ланси, бывшего до войны гобоистом одного из симфонических оркестров, создать для него опус для солирующего инструмента, что композитор и осуществил. В своем сочинении Р. Штраус как бы возвращается к традиционному концертному жанру эпохи Гайдна и Моцарта, создавая мажорное, светлое по характеру и средствам выразительности произведение. В то же время в Концерте очевидно проявляются черты композитора-новатора: сохраняя традиционное последование частей, Р. Штраус выстраивает материал так, что одна часть перетекает в другую без перерыва; в мелодической самостоятельности каждой части просвечивает краткий сквозной мотив, проявляющийся во многих темах; «облегченная» партия малого оркестра не скрывает мастера сложнейшего симфонического письма. Свое сочинение Р. Штраус посвятил его первым исполнителям – Симфоническому оркестру Тонхалле (Цюрих) и дирижеру Андреа Фолькмару.

Два скрипичных концерта Сергея Сергеевича Прокофьева были написаны композитором с разрывом почти в 20 лет: первый он закончил в 1917 году, второй – в 1935. Концертами не исчерпывается круг сочинений для скрипки, для этого инструмента Прокофьев написал в разные годы четыре сонаты (две с фортепиано, одну для двух скрипок, одну для скрипки соло) и несколько миниатюр. Все сочинения по-новому интерпретируют традиционные инструментальные жанры, привносят дополнительные краски в трактовку скрипичной партии, открывают новые возможности солирующего инструмента.
Первый концерт для скрипки с оркестром D-dur ор. 19 – одно из самых блистательных сочинений молодого Прокофьева. Он написан в традиционной трехчастной форме, где в крайних частях господствуют лирические настроения, а в средней – скерцозность и гротеск, свойственных ранним произведениям композитора. Характер первой части (Andantino) определяется нежной, мечтательной темой главной партии, которая решена как простая, сдержанная по звучанию «бесконечная мелодия». Но это состояние разрушается вторжением темы побочной партии с ее причудливыми фантастическими образами. Их столкновение на протяжении части завершается утверждением основного лирического образа. Вторая часть (Vivacissimo) – блистательное, виртуозное скерцо, одно из проявлений «музыкального озорства» молодого композитора. Скерцо написано в форме пятичастного рондо, где основная задорная тема чередуется с эпизодами саркастическими или зловещими. Третья часть (Moderato) возвращает светлые лирические образы. Главная тема финала по характеру близка главной теме первой части. Очень важную роль играет кода всего концерта, утверждающая это светлое начало. 

Инструментальные концерты занимают в наследии немецкого композитора Иоганнеса Брамса одно из центральных мест. В первую очередь это касается двух фортепианных концертов: № 1 ре минор создавался в 1854-1859 годах, № 2 си бемоль мажор был закончен в 1881 году. В основе сочинений композитора лежат классические принципы концертного цикла, в них Брамс во многом продолжает бетховенские традиции, делая упор на подчеркнутую симфоничность звучания и трактуя партии солиста и оркестра как равноправные. Свой Второй фортепианный концерт Брамс расширяет до масштабов четырехчастной симфонии, создавая монументальное эпическое полотно, но сохраняет романтические черты, проявляющиеся в определенной автобиографичности сочинения, в интонационных связях между частями, в общем звуковом колорите. Композитор предпосылает Концерту небольшое вступление к первой части (Allegro non troppo), своего рода эпиграф, очень необычный, в котором отсутствуют динамика и напряжение, но возникает незримый голос природы, периодически вcплывающий в дальнейшем. Вторая часть (Allegro appassionato) переводит действие в иную атмосферу, оказывающуюся сродни балладам композитора, в которой слышны оттенки венгерских народных танцев. Третья часть (Andante) — выразительный лирический центр Концерта, где сконцентрированы характерные черты брамсовской тематической пластики: здесь хоральность сплетается с песенностью, речитативность перемежается созерцательными мотивами. Часть начинается и заканчивается темой, звучащей соло у виолончели. Позднее она станет основой одной из песен Брамса — «Глубже все моя дремота». Финал Концерта (Allegretto grazioso) словно впитал в себя черты музыкальной Вены: множественность интонационных истоков, в которых слышны вальсовость, песенность, фольклорные наигрыши; они подаются здесь в особом, «грациозном» ключе. Свое сочинение композитор посвятил немецкому пианисту, композитору и педагогу Эдуарду Марксену (1806-1887).

Проф. З.М. Гусейнова

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца (Дома музыки)
• Дворца Белосельских-Белозерских
• в Интернет-кассах KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро