Иоганн Себастьян Бах был и остается одним из величайших представителей мировой музыкальной культуры. Его творчество, включившее практически все музыкальные жанры своего времени, ознаменовало расцвет стиля музыкального барокко. Выдающийся полифонист, создатель новой вокально-хоровой школы, крупнейший мастер в области инструментальной музыки, Бах опередил свое время, достигнув подлинных высот во всех жанрах. Значение духовых инструментов в творчестве И.С. Баха велико. Композитор широко использовал их в своих сочинениях, поручая им передачу важнейших эмоционально-образных и драматургических элементов. Особенно ярко это проявилось в камерно-инструментальном наследии И.С. Баха, где представлены и произведения для флейты, в том числе – шесть флейтовых сонат. Они стали важной вехой в истории флейтового исполнительского искусства, хотя диапазон сольного инструмента тогда был еще сравнительно небольшой. Соната для флейты и бассо континуо ми бемоль мажор BWV1031 является второй в данном сборнике. Термин «бассо континуо» (Basso continuo) в эпоху барокко обозначал способ записи аккомпанемента, а также инструмент или ансамбль инструментов, сопровождающих солиста. В настоящее время Соната для флейты звучит в сопровождении фортепиано. Первая часть (Allegro moderato) представляет собой достаточно подвижную часть, построенную, благодаря партии фортепиано, как своеобразное perpetuum mobile. Вторая часть решена в стиле сицилианы — старинного итальянского танца пасторального характера. Завершает сонатный цикл энергичное финальное Allegro.
 
Филипп Гобер – известный французский флейтист, композитор, профессор и главный дирижер оркестра Парижской консерватории. Он известен как автор многих разнохарактерных произведений для флейты, среди которых – фантазии, программные пьесы и проч. Его творчество несет на себе отчетливое влияние Г. Форе и К. Дебюсси, композитор продолжает столь ярко представленную во французской музыке лирико-импрессионистическую традицию. Сонатина для флейты и фортепиано (по указанию автора — «Sonatine quasi fantasia») представляет собой двухчастную композицию. Ее первая часть Allegretto, tres allant (Не быстро, очень энергично) предстает как лирическая часть, где солисту поручена выразительная, разноплановая по характеру тема. Вторая часть Hommage a Schumann: Andante quasi adagio задумана композитором как дань уважения великому Р. Шуману и несет оттенок просветленной скорби, лишь в конце сменяемой энергичным, почти карнавальным эпизодом.
 
Владимир Николаевич Цыбин – известный отечественный флейтист, которого в нашей стране считают основоположником флейтовой школы. Он в течение ряда лет преподавал в Петербургской и Московской консерваториях, играл в оркестре Мариинского театра, летом 1909 года принимал участие в «Русских сезонах» Сергея Дягилева в Париже. В. Н. Цыбин закончил Петербургскую консерваторию еще по двум специальностям – как дирижер и композитор, где учился вместе с С. С. Прокофьевым. Композиторская деятельность В. Н. Цыбина сосредоточена преимущественно на сочинениях для флейты разных жанров, в том числе – различных пьесах и этюдах, переложениях и концертных обработках сочинений других композиторов. К крупным достижениям В. Н. Цыбина относят его Концертные аллегро, некоторые из них позднее были обозначены как Концерты. Концертное аллегро № 3 для флейты и фортепиано, написанное в 1946 году, решено композитором как масштабная одночастная пьеса, созданная на сопоставлении контрастных разделов: начальный выразительный лирический эпизод (Allegro ma non troppo), построенной на восходящей лирической теме, сменяется более медленным Poco meno mosso, основанном на контрастной мелодии, богато орнаментированной, с прихотливой ритмикой. Здесь отмечается безусловное господство солирующего инструмента, партия которого носит импровизационные черты. Вторжение стремительного, динамичного раздела Allegro agitato словно переводит действие в активную фазу, где слышны отзвуки тем предшествующих разделов. Раздел Moderato далее привносит в произведение умеренное, спокойное звучание, подготавливающее вступление репризного раздела, переходящего в активное завершение. Композитор создает сложнейшую в художественном и техническом отношении партию флейты, ведущую достойный «диалог» с аккомпанирующим фортепиано.
 
Среди сравнительно немногих творений П. И. Чайковского для скрипки выделяются Меланхолическая серенада op. 26. Она была создана композитором в 1875 году и посвящена выдающемуся скрипачу, профессору Петербургской консерватории Л. Ауэру. Характер пьесы точно обозначен ее названием, он выдерживается на протяжении всего сочинения, лишь ненадолго уступая место относительно динамичным эпизодам. Переложение пьесы для флейты и фортепиано выполнено знаменитым современным исполнителем, лауреатом международных конкурсов Д. Буряковым.
 
Андре Капле — известный французский композитор и дирижер, утверждавший в своем творчестве принципы символизма, а также импрессионизма, что во многом было связано с его дружбой и творческим сотрудничеством с К. Дебюсси. В 1910—1914 гг. Капле, благодаря рекомендации Дебюсси, руководил Бостонским оперным театром; с 1914 года возглавлял театр «Гранд-Опера» в Париже. Как композитор, А. Капле работал в разных жанрах. Широкую известность завоевали его оратория «Зеркало Иисуса», симфоническая поэма «Саламбо» и симфоническая сюита «Легенда», оркестровые и камерно-инструментальные произведения. В 1897 году, еще в период обучения в Парижской консерватории, им был создан диптих «Две маленькие пьесы для флейты и фортепиано», включавший «Мечты» («Rêverie») и «Маленький вальс», посвященный флейтисту Жоржу Барреру. Первая пьеса, в соответствии с замыслом автора построена на лирической «с придыханиями» мелодии, звучащей у солирующей флейты и поддерживаемой сложной арпеджированной гармонией. Лишь в средней части пьесы вводится контрастная взволнованная тема, отмеченная рельефной ритмикой.
 
Искусство А. И. Хачатуряна опирается на напевы родной Армении, интонации народных песен и танцев пронизывают все его творчество. Композитор отмечал, что фольклорную тему он рассматривает как «животворное зерно, как первоначальную интонационную ячейку, которую можно свободно и смело развивать, перерабатывать, обогащать». Скрипичный концерт, написанный композитором в 1940 году, остается одним из самых репертуарных сочинений, показавшим образец гениального сочетания принципов европейского жанра и народного мелоса. Традиционное трехчастное строение Скрипичного концерта позволило композитору создать яркие картины жизни и быта своего народа, передать красоту земли. Средняя, лирическая часть произведения (Andante sostenuto) воссоздает образ народного музыканта-ашуга, исполняющего бесконечно выразительный, редкий по красоте наигрыш-импровизацию. Свой Концерт композитор посвятил выдающемуся виртуозу Давиду Ойстраху. Один из выдающихся флейтистов ХХ века, французский виртуоз Жан-Пьер Рампаль написал каденцию к сочинению, она будет исполнена в сегодняшнем концерте.
 
Мел Бони (Мелани Элен Бони) — известная французская женщина-композитор, автор около 300 произведений разных жанров, преимущественно инструментальных. Она училась в Парижской консерватории, где ее педагогом был С. Франк, а среди соучеников — К. Дебюсси. Ею создано несколько сонат, по стилю приближающихся к постромантизму. Наибольшую известность получила Соната для флейты и фортепиано до-диез минор op.64, созданная в начале ХХ века. В ней отчетливо проявляется «женское начало» — произведение отличается подчеркнутой нежностью и мягкостью, лирической красотой и выразительной грациозностью. Соната построена как четырехчастный цикл, где первая часть (Andantino con moto) погружает слушателя в атмосферу взволнованности; вторая часть (Scherzo vivace) раскрывает кокетливый образ юной ветреницы; третья часть (Adagio) переводит звучание в сферу философского размышления, некоторой отстраненности от реальной действительности; четвертая часть (Finale moderato) привносит в звучание взволнованный, драматический оттенок. Свое сочинение М. Бони посвятила известному французскому флейтисту Луи Флёри (1878–1926).

Проф. З.М. Гусейнова
 

	1. Обязательно оставлять верхнюю одежду в гардеробе.
	2. Обязательно оставлять объемные сумки, рюкзаки, портфели, шуршащие пакеты в гардеробе. Запрещено проносить с собой:аудио- , видео-, фотоаппаратуру, еду и напитки, музыкальные инструменты. В гардеробе есть камеры хранения, в которых можно оставить сумки и небольшие музыкальные инструменты. Крупные музыкальные инструменты в футлярах заносятся в гардероб.
	3. Обязательно иметь при себе сменную обувь (в гардеробе имеются специальные мешки для уличной обуви) либо надеть на уличную обувь бахилы, бесплатно выдающиеся на входе.
	4. Воздержаться от ношения обуви (в том числе в сменной) с каблуками - шпильками и металлическими набойками. На такую обувь необходимо надеть войлочные тапочки, которые выдаются при входе.
	5. Дети до 12 лет не допускаются.
	6. Для посетителей работает буфет. В зале и в фойе запрещается употреблять пищу и напитки, как принесённые с собой, так и приобретенные в буфете.
	7. На время концерта необходимо выключить мобильные телефоны.
	8. Запрещено курить в здании и на территории парадного двора Санкт-Петербургского Дома музыки. Место для курения - за оградой, на наб. реки Мойки.
	9. Запрещено употребление спиртных напитков, применение наркотических или токсических веществ; нахождение в состоянии алкогольного, наркотического или токсического опьянения.
	10. Запрещено проносить на территорию Санкт-Петербургского Дома музыки горючие, взрывоопасные и радиоактивные вещества.

Справки по телефону: (812) 702-60-96.

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца
• В интернет-кассе KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро