Никколо Паганини, выдающийся итальянский скрипач и композитор, с юных лет начал карьеру виртуоза, одновременно создавая многочисленные сочинения для своего инструмента. К жанру каприса («каприччи» - от итальянского capricci) он обращается в 1801-1802 годах, сделав его одним из самых известных в скрипичном репертуаре. Созданные Паганини 24 каприса для скрипки соло и в наши дни остаются образцом высшей виртуозности, заложившим основы нового, романтического исполнительского стиля, в которых столь ярко проявились черты «дьявольского» искусства выдающегося мастера. 24 каприса были единственными скрипичными сочинениями, изданными при жизни автора, все остальные увидели свет только после его смерти.
Прообразом Каприсов стал сборник концертов «Искусство скрипки» итальянского скрипача Пьетро Локателли, в котором внимание Паганини привлекли «Каприсы» – своеобразные виртуозные каденции для скрипки соло, написанные к первым и третьим частям каждого концерта. В них Локателли снял многие ограничения исполнительских позиций, дав тем самым возможность виртуозу проявить свое техническое мастерство. Эти принципы и продолжил Паганини в Каприсах – блистательных виртуозных пьесах, совершивших переворот в области скрипичной музыки. В сегодняшнем концерте прозвучит Каприс № 4 (Maestoso), построенный на соединении торжественно-драматических и лирических эпизодов. Его основная тема, одновременно строгая и величественная, подвергается многочисленным образным и технически сложным преобразованиям, использующим все богатство фактуры солирующего инструмента.

Бельгийского скрипача, дирижера и композитора Эжена Изаи называют одним из самых блистательных виртуозов-композиторов, развивавших традиции романтического исполнительства. Крупнейший виолончелист ХХ века Пабло Казальс (1876–1973) писал, что «имя Эжена Изаи всегда будет для нас означать самый чистый, самый прекрасный идеал артиста». Известность исполнителя и создателя, главным образом, произведений для скрипки сопровождает Изаи на протяжении всей жизни. Среди самых исполняемых его сочинений выделяются Шесть сонат для скрипки соло. Каждую из них композитор посвящает одному из известных скрипачей–современников. Соната № 3 «Баллада» посвящена крупнейшему румынскому виртуозу Джордже Энеску (1881-1955), исполнительский и композиторский стиль которого соединяет традиции народных скрипачей–лаутаров и академическую исполнительскую школу, полученную Энеску в Парижской консерватории. Соната № 3 «Баллада» одночастная и представляет собой масштабную пьесу, написанную в форме свободных разнохарактерных вариаций на сложную, драматичную тему, введение которой подготовлено развернутым вступлением. В Сонате композитор ввел необычный элемент: особое обозначение предписывает повышение звука на четверть тона – прием, характерный для фольклорной манеры игры.

Сезар Франк – известный французский композитор, педагог и органист бельгийского происхождения, представитель романтического направления, основное наследие которого связано с инструментальной музыкой – симфониями, симфоническими поэмами, сочинениями для различных составов, органными произведениями. Ромен Роллан говорил о композиторе: «этому неземному Франку, этому святому от музыки удалось пронести через жизнь, полную лишений и всеми презираемого труда, немеркнущую ясность терпеливой души, и отсюда – та смиренная улыбка, что осеняла светом добра его творчество». В 1886 году Франк создает четырехчастную Скрипичную сонату, рассматривая ее в качестве свадебного подарка великому скрипачу Эжену Изаи и ему же посвященную, — сочинение, в полной мере отражающее характер музыки композитора. Соната стала одним из самых популярных произведений Франка. Выразительное начало первой части (Allegretto ben moderato), предвосхищающее будущие импрессионистские открытия Клода Дебюсси, поражает непривычной для первых частей лиричностью, мягкостью звучания. Драматический элемент возникает во второй части (Allegro), восходящий в кульминационных эпизод до высот подлинного трагизма. Третья часть (композитор определил ее как «Recitativo-Fantasia: Ben moderato») действительно представляет собой развернутую пьесу фантазийного характера, где значительное место отводится импровизационности в партиях обоих инструментов. Смысловым лирическим итогом Сонаты становится финал (Allegretto poco mosso), написанный в форме рондо. Простая основная тема, близкая по характеру народной песне, проводится то у одного, то у другого инструмента, демонстрируя внутреннее богатство и многогранность напева. Виртуозность обеих партий Сонаты, их равнозначность в передаче образного строя сочинения определяют слитность инструментального дуэта.

Александр Николаевич Скрябин — выдающийся русский композитор и пианист, создавал свои произведения преимущественно в жанрах оркестровой и фортепианной музыки. В них он выступает как художник-новатор, открывший собственное видение мира, собственную образную систему, необычайно расширивший музыкально-выразительные средства. Поставив во главу угла своих сочинений образ художника-творца, Скрябин стремится передать все оттенки его переживаний и устремлений. Созданные на протяжении двадцати лет (1892-1913) Десять фортепианных сонат А.Н. Скрябина показывают, какой путь прошел жанр сонаты в творчестве музыканта, и как изменился его стиль. Первые сочинения несли на себе отпечаток классических традиций, которые в дальнейшем уступили место иным настроениям, иным эстетическим задачам. В Первой сонате, написанной через год после окончания консерватории и во многом связанной с Сонатой b-moll Ф. Шопена, композитор предстает перед слушателями как яркий романтик, раскрывающий в сочинении контрастные музыкальные образы. Первая часть (Allegro con fuoco) традиционно построена на сопоставлении волевой, активной главной партии и подчеркнуто романтической, хрупкой побочной. Большую роль в этой части и последующих будет играть начальная трехзвучная восходящая интонация, становящаяся своеобразным лейтмотивом сочинения. Вторая часть (Adagio) пронизана скорбными интонациями, подчеркивающими общее настроение печали и страдания. Третья часть (Presto) носит бурный активный характер, порой приобретающий угрожающий оттенок. Четвертая часть (Funebre) сохраняет основное траурное настроение, лишь ненадолго оттеняющееся светлыми тонами в среднем разделе.

В своем фортепианном творчестве Фредерик Шопен обращался к жанру мазурки чаще всего, создав около 60 произведений; не случайно последним сочинением композитора стала именно мазурка из ор. 68. К тому же элементы этого польского танца часто проникают в другие сочинения Шопена, как бы «просвечивая» сквозь их музыкальную ткань. Мазурка стала для композитора символом Родины, ее обобщенным образом. По сравнению с остальными сочинениям Шопена мазурки более скромны, в них почти нет виртуозного блеска, здесь на первый план выходит утонченность, одухотворенность, изящество. Четыре мазурки ор. 68 были написаны в период с 1827 по 1849 год и опубликованы уже после смерти композитора в 1855 году. Четыре контрастных пьесы раскрывают различные образы, так или иначе связанный с танцем. Первая мазурка (до мажор) сохраняет черты активного бального танца. Вторая мазурка (ля минор), получившая прозвище «Соловейко», близка народным наигрышам. Третья мазурка (фа мажор), воспроизводит характерные особенности звучания деревенских инструментов. Четвертая мазурка (фа минор) – одно из самых печальных сочинений композитора. Русский музыкальный писатель Н. Ф. Христианович писал о последней пьесе Шопена: «Послушай еще раз его предсмертную мазурку: — в ней вылился весь человек. Боже, какою непреодолимою тоскою веет от нее! Как мучительно писалась она, какими горькими слезами плакал художник, прощаясь навсегда с тем, что составляло всю сущность его жизни — даром творчества!.. Мазурка эта была лебединою песнею поэта, последним тяжким вздохом его; от нее болезненно сжимается сердце слушателя...». 

Выдающийся французский композитор-импрессионист Клод Дебюсси является одним из основоположников нового направления – неоклассицизма, опирающегося на традиции композиторов-классиков. Сюита “Pour Le Piano” (Сюита «Для фортепиано»), созданная в 1901 году, демонстрирует мастерство композитора в переосмыслении традиционных жанров, где соединяются классицистские и имрессионистские черты. Первая пьеса Прелюдия, которую автор предписывает исполнять Assez anime et tresritme (Довольно живо и очень ритмично) своими быстрыми инструментальными пассажами близка некоторым прелюдиям И. С. Баха (в частности, первой прелюдии до мажор из первого тома Хорошо темперированного клавира), вместе с тем в ней проявляются характерные приемы музыкальной звукописи. Сарабанда, которой композитор предпосылает ремарку Avec ипе elegance grave et lente (С элегантной серьезностью, медленно), наполнена нежными настроениями, передаваемыми выразительной мелодикой и сложнейшей гармонической аккордикой. Токката, отмеченная композитором как Vif (Живо), решена композитором как блестящая виртуозная пьеса, близкая по стилю опусам французских клавесинистов. Первая пьеса была посвящена композитором своей ученице мадемуазель Вормс де Ромилли, вторая пьеса – мадам Э. Руар (в девичестве Ивонн Леролл), третья – приятелю Никола Коронио.

Проф. З.М. Гусейнова

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца (Дома музыки)
• в Интернет-кассах KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро