Одно из лучших творений мировой музыкальной культуры — опера «Дон Жуан» — была написана В.А. Моцартом в 1787 году. В основу сюжета положена старинная европейская легенда о коварном соблазнителе и отчаянном искателе приключений, имя которого стало нарицательным. На сюжет о Дон Жуане написаны, как известно, выдающиеся произведения литературы и музыки, среди них опера Моцарта остается самым значимым сочинением. Главный герой представлен композитором как яркий, сильный, отважный персонаж, излучающий неиссякаемую энергию и жизнелюбие, который, тем не менее, обречен на гибель. Эта двойственность ситуации выразительно обрисована уже в Увертюре, которую композитор успел оркестровать буквально накануне премьеры. Она начинается небольшим (всего 30 тактов) эпизодом торжественно-трагического характера, который затем в конце оперы будет сопровождать роковое появление статуи Командора. Сразу после трагического эпизода в Увертюре возникает необычайно энергичная, наполненная весельем, динамичная основная часть, разносторонне представляющая облик Дон Жуана и других участников и непосредственно переходящая в первое действие оперы.
 
Жанр инструментального концерта был необычайно популярным в европейской музыке XVIII века. К нему обращались все композиторы той эпохи, но наиболее яркие образцы оставил В. А. Моцарт, создавший в данном жанре около полусотни замечательных сочинений, где в качестве солирующего выступали не только традиционные фортепиано или скрипка, но почти все оркестровые инструменты. Моцарт по сути создал тип «симфонизированного» концерта, основанного на равенстве и «состязательности» партий солиста и оркестра. В 1782 году в одном из посланий к отцу Моцарт писал о своем понимании жанра: «Концерты дают нечто среднее между слишком трудным и слишком легким; они блестящи, приятны для слуха, но, разумеется, не впадают в пустоту; то тут, то там знаток получит настоящее удовлетворение, но и не знатоки останутся довольны, сами не ведая почему». К данным сочинениям относится и единственный у композитора Концерт для гобоя с оркестром до мажор, написанный в 1777 году. Именно Моцарту довелось установить классические черты жанра инструментального концерта, определив его трехчастный тип, который он с успехом претворил в Концерте для гобоя. Первая часть (Allegro aperto) — сонатное аллегро, где сначала звучит оркестр, а затем солирующий инструмент, и они словно состязаются друг с другом. Всегда у Моцарта в первой части присутствует виртуозная каденция солиста, демонстрирующая богатые выразительные возможности инструмента. Вторая часть (Adagio non troppo) раскрывает лирические чувства героя произведения, она словно продолжает традиции прекрасной итальянской кантилены. Третья часть (Rondo: Allegretto) — скерцозный жанровый финал с яркой инструментальной звучностью.
 
Сергей Васильевич Рахманинов, выдающийся русский композитор, пианист, дирижер, был и остается крупнейшим музыкантом мировой культуры. Среди созданных им произведений различных жанров — опер, симфоний, вокально-хоровых сочинений и романсов, самым главным для композитора был фортепианный концерт. В этом жанре проявлялось триединство творческой личности композитора: он был творцом сочинения, в котором соединялись его любимый инструмент и оркестр. Созданные Рахманиновым на протяжении жизни четыре фортепианных концерта отмечали самые значительные ее вехи, определяли развитие искусства композитора и исполнителя на разных этапах, концентрировали в себе фантазию художника и его высочайшее мастерство.
Написанный на пороге ХХ века Концерт № 2 (1. Moderato 2. Adagio sostenuto 3. Allegro scherzando) стал одной из признанных мировых вершин музыкального искусства. Богатство художественных образов, неизбывная щедрость удивительных по красоте мелодий, одухотворенность и искренность, сквозящие в каждом изгибе тем, аккордовом последовании, оркестровом тембре, уже при первом исполнении обеспечили произведению всеобщую любовь и признание слушателей и профессионалов. Образный строй сочинения, идущий от звукового пространства России, в первой части наполнен торжественным звучанием колоколов (фортепианное вступление), скрытой мощью и суровой мужественностью (тема главной партии), бесконечной нежностью (тема побочной партии). Вторая часть, в которой представлена, по словам писательницы Мариэтты Шагинян, «широкая, простая, средней полосы России, деревенская ширь, бледное небо над хлебами, речушка и туман над речушкой», выходит, однако, за рамки просто пейзажа. За всем этим виден художник, органично воспринимающий природу и отвечающий ей. Финал Концерта композитор решает как сопоставление стремительного, энергичного скерцо и лирической, напевной кантилены. В обеих темах реально ощутимы связи с предшествующими частями Концерта, они как бы сводят воедино все темы сочинения, завершая его мощными, ликующими, обобщающими финальными пассажами.
 
Профессор З.М. Гусейнова
 
Одно из лучших творений мировой музыкальной культуры — опера «Дон Жуан» — была написана В.А. Моцартом в 1787 году. В основу сюжета положена старинная европейская легенда о коварном соблазнителе и отчаянном искателе приключений, имя которого стало нарицательным. На сюжет о Дон Жуане написаны, как известно, выдающиеся произведения литературы и музыки, среди них опера Моцарта остается самым значимым сочинением. Главный герой представлен композитором как яркий, сильный, отважный персонаж, излучающий неиссякаемую энергию и жизнелюбие, который, тем не менее, обречен на гибель. Эта двойственность ситуации выразительно обрисована уже в Увертюре, которую композитор успел оркестровать буквально накануне премьеры. Она начинается небольшим (всего 30 тактов) эпизодом торжественно-трагического характера, который затем в конце оперы будет сопровождать роковое появление статуи Командора. Сразу после трагического эпизода в Увертюре возникает необычайно энергичная, наполненная весельем, динамичная основная часть, разносторонне представляющая облик Дон Жуана и других участников и непосредственно переходящая в первое действие оперы.
 
Жанр инструментального концерта был необычайно популярным в европейской музыке XVIII века. К нему обращались все композиторы той эпохи, но наиболее яркие образцы оставил В. А. Моцарт, создавший в данном жанре около полусотни замечательных сочинений, где в качестве солирующего выступали не только традиционные фортепиано или скрипка, но почти все оркестровые инструменты. Моцарт по сути создал тип «симфонизированного» концерта, основанного на равенстве и «состязательности» партий солиста и оркестра. В 1782 году в одном из посланий к отцу Моцарт писал о своем понимании жанра: «Концерты дают нечто среднее между слишком трудным и слишком легким; они блестящи, приятны для слуха, но, разумеется, не впадают в пустоту; то тут, то там знаток получит настоящее удовлетворение, но и не знатоки останутся довольны, сами не ведая почему». К данным сочинениям относится и единственный у композитора Концерт для гобоя с оркестром до мажор, написанный в 1777 году. Именно Моцарту довелось установить классические черты жанра инструментального концерта, определив его трехчастный тип, который он с успехом претворил в Концерте для гобоя. Первая часть (Allegro aperto) — сонатное аллегро, где сначала звучит оркестр, а затем солирующий инструмент, и они словно состязаются друг с другом. Всегда у Моцарта в первой части присутствует виртуозная каденция солиста, демонстрирующая богатые выразительные возможности инструмента. Вторая часть (Adagio non troppo) раскрывает лирические чувства героя произведения, она словно продолжает традиции прекрасной итальянской кантилены. Третья часть (Rondo: Allegretto) — скерцозный жанровый финал с яркой инструментальной звучностью.
 
Сергей Васильевич Рахманинов, выдающийся русский композитор, пианист, дирижер, был и остается крупнейшим музыкантом мировой культуры. Среди созданных им произведений различных жанров — опер, симфоний, вокально-хоровых сочинений и романсов, самым главным для композитора был фортепианный концерт. В этом жанре проявлялось триединство творческой личности композитора: он был творцом сочинения, в котором соединялись его любимый инструмент и оркестр. Созданные Рахманиновым на протяжении жизни четыре фортепианных концерта отмечали самые значительные ее вехи, определяли развитие искусства композитора и исполнителя на разных этапах, концентрировали в себе фантазию художника и его высочайшее мастерство.
Написанный на пороге ХХ века Концерт № 2 (1. Moderato 2. Adagio sostenuto 3. Allegro scherzando) стал одной из признанных мировых вершин музыкального искусства. Богатство художественных образов, неизбывная щедрость удивительных по красоте мелодий, одухотворенность и искренность, сквозящие в каждом изгибе тем, аккордовом последовании, оркестровом тембре, уже при первом исполнении обеспечили произведению всеобщую любовь и признание слушателей и профессионалов. Образный строй сочинения, идущий от звукового пространства России, в первой части наполнен торжественным звучанием колоколов (фортепианное вступление), скрытой мощью и суровой мужественностью (тема главной партии), бесконечной нежностью (тема побочной партии). Вторая часть, в которой представлена, по словам писательницы Мариэтты Шагинян, «широкая, простая, средней полосы России, деревенская ширь, бледное небо над хлебами, речушка и туман над речушкой», выходит, однако, за рамки просто пейзажа. За всем этим виден художник, органично воспринимающий природу и отвечающий ей. Финал Концерта композитор решает как сопоставление стремительного, энергичного скерцо и лирической, напевной кантилены. В обеих темах реально ощутимы связи с предшествующими частями Концерта, они как бы сводят воедино все темы сочинения, завершая его мощными, ликующими, обобщающими финальными пассажами.
 
Профессор З.М. Гусейнова
 
Одно из лучших творений мировой музыкальной культуры — опера «Дон Жуан» — была написана В.А. Моцартом в 1787 году. В основу сюжета положена старинная европейская легенда о коварном соблазнителе и отчаянном искателе приключений, имя которого стало нарицательным. На сюжет о Дон Жуане написаны, как известно, выдающиеся произведения литературы и музыки, среди них опера Моцарта остается самым значимым сочинением. Главный герой представлен композитором как яркий, сильный, отважный персонаж, излучающий неиссякаемую энергию и жизнелюбие, который, тем не менее, обречен на гибель. Эта двойственность ситуации выразительно обрисована уже в Увертюре, которую композитор успел оркестровать буквально накануне премьеры. Она начинается небольшим (всего 30 тактов) эпизодом торжественно-трагического характера, который затем в конце оперы будет сопровождать роковое появление статуи Командора. Сразу после трагического эпизода в Увертюре возникает необычайно энергичная, наполненная весельем, динамичная основная часть, разносторонне представляющая облик Дон Жуана и других участников и непосредственно переходящая в первое действие оперы.
 
Жанр инструментального концерта был необычайно популярным в европейской музыке XVIII века. К нему обращались все композиторы той эпохи, но наиболее яркие образцы оставил В. А. Моцарт, создавший в данном жанре около полусотни замечательных сочинений, где в качестве солирующего выступали не только традиционные фортепиано или скрипка, но почти все оркестровые инструменты. Моцарт по сути создал тип «симфонизированного» концерта, основанного на равенстве и «состязательности» партий солиста и оркестра. В 1782 году в одном из посланий к отцу Моцарт писал о своем понимании жанра: «Концерты дают нечто среднее между слишком трудным и слишком легким; они блестящи, приятны для слуха, но, разумеется, не впадают в пустоту; то тут, то там знаток получит настоящее удовлетворение, но и не знатоки останутся довольны, сами не ведая почему». К данным сочинениям относится и единственный у композитора Концерт для гобоя с оркестром до мажор, написанный в 1777 году. Именно Моцарту довелось установить классические черты жанра инструментального концерта, определив его трехчастный тип, который он с успехом претворил в Концерте для гобоя. Первая часть (Allegro aperto) — сонатное аллегро, где сначала звучит оркестр, а затем солирующий инструмент, и они словно состязаются друг с другом. Всегда у Моцарта в первой части присутствует виртуозная каденция солиста, демонстрирующая богатые выразительные возможности инструмента. Вторая часть (Adagio non troppo) раскрывает лирические чувства героя произведения, она словно продолжает традиции прекрасной итальянской кантилены. Третья часть (Rondo: Allegretto) — скерцозный жанровый финал с яркой инструментальной звучностью.
 
Сергей Васильевич Рахманинов, выдающийся русский композитор, пианист, дирижер, был и остается крупнейшим музыкантом мировой культуры. Среди созданных им произведений различных жанров — опер, симфоний, вокально-хоровых сочинений и романсов, самым главным для композитора был фортепианный концерт. В этом жанре проявлялось триединство творческой личности композитора: он был творцом сочинения, в котором соединялись его любимый инструмент и оркестр. Созданные Рахманиновым на протяжении жизни четыре фортепианных концерта отмечали самые значительные ее вехи, определяли развитие искусства композитора и исполнителя на разных этапах, концентрировали в себе фантазию художника и его высочайшее мастерство.
Написанный на пороге ХХ века Концерт № 2 (1. Moderato 2. Adagio sostenuto 3. Allegro scherzando) стал одной из признанных мировых вершин музыкального искусства. Богатство художественных образов, неизбывная щедрость удивительных по красоте мелодий, одухотворенность и искренность, сквозящие в каждом изгибе тем, аккордовом последовании, оркестровом тембре, уже при первом исполнении обеспечили произведению всеобщую любовь и признание слушателей и профессионалов. Образный строй сочинения, идущий от звукового пространства России, в первой части наполнен торжественным звучанием колоколов (фортепианное вступление), скрытой мощью и суровой мужественностью (тема главной партии), бесконечной нежностью (тема побочной партии). Вторая часть, в которой представлена, по словам писательницы Мариэтты Шагинян, «широкая, простая, средней полосы России, деревенская ширь, бледное небо над хлебами, речушка и туман над речушкой», выходит, однако, за рамки просто пейзажа. За всем этим виден художник, органично воспринимающий природу и отвечающий ей. Финал Концерта композитор решает как сопоставление стремительного, энергичного скерцо и лирической, напевной кантилены. В обеих темах реально ощутимы связи с предшествующими частями Концерта, они как бы сводят воедино все темы сочинения, завершая его мощными, ликующими, обобщающими финальными пассажами.
 
Профессор З.М. Гусейнова
 

http://www.yar-filarmoniya.ru/cat/?cat=23