Фортепианное наследие Фредерика Шопена по праву считается одной из вершин мирового музыкального искусства. Грандиозное по масштабам, по количеству представленных жанров, по силе художественного воплощения, оно не знает себе равных в искусстве прошлого и настоящего. Выдающийся сын Польши, ее певец и ее божество, Шопен сделал музыку своей страны величайшим достижением европейского искусства. Четыре сочинения Шопена, представленные в сегодняшней программе, раскрывают разные грани великого дарования композитора, его новаторство и способность переосмысливать традиционное.

Жанр скерцо вошел в музыку в эпоху Классицизма, будучи призванным передавать настроения шутки, игры. У Шопена в его четырех скерцо, ставших самостоятельными пьесами, жанр коренным образом переосмысливается, наполняется новым содержанием. Его скерцо серьезны, драматичны, а само понятие «игры» здесь трактуется как возможность создавать свободную композицию, построенную на сопряжении разнохарактерных эпизодов. Скерцо № 2, написанное Шопеном в 1837 году, представляет собой блестящий образец такого творческого решения. Здесь конфликтность, заложенная в основной теме (таинственное, угрожающее начало и торжественное, с элементами полонеза, продолжение), находит подтверждение в контрастной, поэтичной кантилене побочной партии с бравурным звучанием заключительной темы. Красота мелодики, богатство фортепианных приемов, блестящая виртуозность делают сочинение одним из самых ярких и вдохновенных.

По новому раскрылся в творчестве Шопена жанр этюда: обычная техническая пьеса преобразилась в сложнейший жанр, в котором определенная исполнительская задача направлена, в первую очередь, на создание художественного образа. Все 27 этюдов пианистически очень сложны и одновременно поэтически возвышенны. Этюд № 4 (ор. 10) несет на себе отблеск образа выдающегося скрипача-виртуоза Н. Паганини, Каприсы которого в свое время стали открытием нового, романтического стиля и игрой которого Шопен восхищался. Не случайно в этом этюде так отчетливо слышны приемы скрипичной техники и возникает образ великого виртуоза-реформатора.

К жанру мазурки Шопен обращался чаще всего, создав около 60-ти произведений; не случайно последним сочинением композитора стала именно мазурка. К тому же элементы этого польского танца часто проникают в другие сочинения композитора, как бы «просвечивая» сквозь музыкальную ткань. Мазурка стала для композитора символом Родины, ее обобщенным образом. По сравнению с остальными сочинениям Шопена мазурки более скромны, в них почти нет виртуозного блеска, здесь на первый план выходит утонченность, одухотворенность, изящество. Мазурка до диез минор относится к группе лирических пьес, где танцевальная основа становится лишь средством для создания небольшой зарисовки. Именно здесь отчетливей всего проявляются элементы ностальгии, лишь ненадолго прерываемые драматическими возгласами.

Шопена по праву считают также одним из создателей жанра инструментальной баллады. В написанных им в разные годы четырех балладах воплотились характерные для романтиков интерес к историческому прошлому, к фольклорным материалам, к элементам фантастики. Все баллады Шопена написаны в совершенно новых для музыкального искусства свободных формах. Одночастные по структуре, они соединяют в себе в то же время черты сонаты, вариаций и проч. Четвертая баллада, написанная композитором в 1842 году, раскрывает столь значимые для композитора темы Польши, где сплетаются драматические и пейзажные образы, слышны интонации народных песен и танцев. Все это разворачивается перед слушателем в повествовательном ключе, словно давая ему возможность ощутить беспредельную красоту звуковой картины.

Фортепианный цикл «Шесть музыкальных моментов» ор. 16 был написан С.В. Рахманиновым в 1897 году и посвящен композитору, этнографу А.В. Затаевичу, работами которого незадолго до этого Рахманинов заинтересовался. Каждая пьеса цикла представляет собой отдельную новеллу, составляя в то же время некую общность: все нечетные пьесы написаны в медленном темпе, все четные — в быстром. Цикл пронизан сквозными интонациями, объединяющими все пьесы. Музыкальный момент № 1 (Andantino, си бемоль минор) воспринимается как своеобразный «русский ноктюрн», где художник применяет выразительный фактурный прием, сопоставляя двухдольную мелодию и триольный аккомпанемент. Контрастом выступает Музыкальный момент № 4 (Presto, ми минор) с его героическими мотивами, дикой, необузданной силой, мощными рахманиновскими фигурациями.

Крупнейший польский композитор ХХ века Кароль Шимановский родился в Тимошовке (бывшей Херсонской губернии) в образованной, интеллигентной семье. Его отец и брат были пианистами, сестра — певицей, художницей и поэтессой. Музыкальное образование Кароль Шимановский получает в школе своего дяди Густава Нейгауза (отца выдающегося советского пианиста Генриха Нейгауза) в Елизаветграде, позднее — в Варшавской консерватории. В творчестве Шимановского тесно сплелись польские, украинские, русские национальные корни, обогащенные мощным влиянием европейских традиций, в том числе импрессионизма и конструктивизма. В созданной в 1916 году фортепианной сюите — триптихе «Маски» композитор обращается к столь привлекательным для музыканта образам, имеющим богатые традиции: первая часть «Шехеразада» воссоздает события прекрасных сказок «1000 и одной ночи», вторая «Тантрис-шут» связана с образом Тристана. Третья часть — «Серенада Дон Жуана», имеющая многочисленные музыкальные прототипы, по-новому, уже на экспрессионистском уровне, раскрывает образ вечной мужественности и привлекательности.

Имя Сергея Сергеевича Прокофьева (1891-1953) по праву называют одним из первых среди самых ярких композиторов-новаторов ХХ века, оставившем значительное по масштабам творческое наследие, включающее произведения многих жанров. Фортепианные сочинения для Прокофьева – блестящего пианиста всегда играли ведущую роль, особенно сонаты. Именно в них находили в первую очередь воплощение его поиски в области музыкально-образной выразительности. Соната № 8 си бемоль мажор (опус 84) была закончена композитором в военном 1944 году, хотя первые наброски сочинения относятся к 1939 году. Святослав Рихтер считал, что Восьмая соната – самая художественно насыщенная из сонат Прокофьева. Пианист отмечал: «Из всех прокофьевских сонат она самая богатая. В ней сложная внутренняя жизнь с глубокими противопоставлениями. Временами она как бы цепенеет, прислушиваясь к неумолимому ходу времени. Соната несколько тяжела для восприятия, но тяжела от богатства - как дерево, отягченное плодами». Строение произведения – две медленные первые части (1. Andante dolce. 2. Andante sognando) и быстрая третья (Vivace) позволяет говорить о том, что композитор полностью переосмысливает здесь традиционный сонатный цикл. Масштабные, контрастные крайние части разделяются небольшой средней частью, в которой слышны элементы менуэта. Финал становится центром сонаты, в нем получают завершение все образные линии предшествующих частей. Он раскрывает особенности прокофьевского пианизма во всем его виртуозном блеске. В 1946 году за эту сонату (вместе с симфонией № 5) Прокофьев получил свою третью Сталинскую премию.

Проф. З.М. Гусейнова

	1. Обязательно оставлять верхнюю одежду в гардеробе.
	2. Обязательно оставлять объемные сумки, рюкзаки, портфели, шуршащие пакеты в гардеробе. Запрещено проносить с собой:аудио- , видео-, фотоаппаратуру, еду и напитки, музыкальные инструменты. В гардеробе есть камеры хранения, в которых можно оставить сумки и небольшие музыкальные инструменты. Крупные музыкальные инструменты в футлярах заносятся в гардероб.
	3. Обязательно иметь при себе сменную обувь (в гардеробе имеются специальные мешки для уличной обуви) либо надеть на уличную обувь бахилы, бесплатно выдающиеся на входе.
	4. Воздержаться от ношения обуви (в том числе в сменной) с каблуками - шпильками и металлическими набойками. На такую обувь необходимо надеть войлочные тапочки, которые выдаются при входе.
	5. Дети до 12 лет не допускаются.
	6. Для посетителей работает буфет. В зале и в фойе запрещается употреблять пищу и напитки, как принесённые с собой, так и приобретенные в буфете.
	7. На время концерта необходимо выключить мобильные телефоны.
	8. Запрещено курить в здании и на территории парадного двора Санкт-Петербургского Дома музыки. Место для курения - за оградой, на наб. реки Мойки.
	9. Запрещено употребление спиртных напитков, применение наркотических или токсических веществ; нахождение в состоянии алкогольного, наркотического или токсического опьянения.
	10. Запрещено проносить на территорию Санкт-Петербургского Дома музыки горючие, взрывоопасные и радиоактивные вещества.

Справки по телефону: (812) 702-60-96.

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца
• В интернет-кассе KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро